Document manuscrit

Texte de Vladimiro Elvieri pour un livre à paraître.

26 novembre 2019

« Qui pourrait être intéressé par un livre sur mes gravures sur bois avec du bois perdu ? » Tel est, dans notre conversation récente, la réflexion amère de mon ami Sergio Tarquinio, grand designer, graveur et peintre de Cremona (né en 1925). De plus, en Italie, la gravure n'a jamais bénéficié de l'attention accordée à la peinture ou à la sculpture, en raison d'une interprétation incomprise de sa fonction de reproduction et de la diffusion d'estampes non originales sur le marché. Il faut savoir que le public n'a pas la connaissance d'un art considéré maintenant, à tort, comme obsolète, malgré tous les chefs-d'œuvre réalisés, des années 1400 à nos jours, par les plus grands maîtres de l'histoire de l'art (Picasso, Hayter, Goya, Piranesi, Canaletto, Rembrandt, Dürer, etc.), par ses techniques infinies, allant de la chalcographie au relief, en passant par bien d’autres techniques, inventés par les artistes pour les rendre plus conviviaux à des fins expressives ; des artistes dont la gravure peut être considérée à tous égards comme égale, sinon supérieure dans certains cas, à l’importance picturale, sans tenir compte de la grande diffusion des images imprimées et de l’influence réciproque qui en résulte entre les artistes.
Dans une atmosphère de désintérêt quasi général pour l’art imprimé, réduit au rôle marginal d'« art mineur », Sergio Tarquinio commença sa carrière artistique en autodidacte, avec une passion immense alliée à une intelligence réfléchie et son étude approfondie de l’art, de la littérature et de la philosophie ; il lui suffisait de surmonter toutes les difficultés techniques pour combler son esprit avide de beauté et de mystère à la vue des premiers résultats obtenus. Dès le début, la « technique » est un élément fondamental pour Tarquinio, qui révèle ses possibilités grâce à une étude constante des matériaux, des différents types de bois pour les gravures sur bois, des métaux pour la calcographie, des pierres pour les lithographies. L'acquisition de la technique implique non seulement la capacité de manipuler des outils et des matériaux, mais également l'accumulation d'une richesse de connaissances liée à la vie quotidienne, qui se fondent dans l'expérience artistique. Nous savons combien de temps il a fallu (jusqu'au début de l'ère moderne) pour que la technique et la matière se dégagent des préjugés de l'idéalisme.
Concernant la xylographie traditionnelle en couleur, il y a généralement autant de plaques gravées qu'il y a de couleurs à imprimer sur la feuille. Les parties gravées restent imprimées en blanc, tandis que les reliefs sont encrés au moyen de rouleaux. Dans la gravure sur bois à bois perdu, le processus implique la gravure progressive d’une matrice unique, alternativement à l’impression de chaque couleur. Sergio Tarquinio, en pleine autonomie, découvre cette technique qui révèle des univers inconnus fascinants, de nouvelles images, inhérentes à son propre caractère et à une habileté innée et raffinée au fil du temps. Une sorte de « main pensante » qui naîtra par la pratique et qui s'affirmera de plus en plus. Ses compétences en dessin, comme en gravure, lui ont permis de faire face à tous les défis linguistiques, de proposer une vision de plus en plus intérieure, de s'affranchir du travail d'illustrateur, une image qui identifie profondément sa personnalité complexe. Ici, la couleur n'est pas un accessoire de décoration trivial, mais une partie essentielle et expressive du travail. La difficulté d'élaboration de cette technique, dans laquelle il est interdit de repenser tout travail sur la matrice pour la couleur suivante, en dit long sur le nombre très limité de graveurs qui l'ont adoptée pour un nombre d'essais non négligeable ; en Italie, au XXème siècle, outre Tarquinio, nous nous souvenons du plus grand des plus grands, le Trentino Remo Wolf. Après la Seconde Guerre mondiale, quelques années après les premières expériences de gravure sur bois à bois perdu de Sergio Tarquinio, Picasso (en 1959), ayant perçu les grandes possibilités qu’il pouvait offrir à cette méthode, avait inventé la technique de la linoléographie en couleurs avec une seule matrice. Picasso magnifiera cette technique, et cette invention dissemblable uniquement par l'utilisation de linoléum plus doux en lieu et place du bois, pour la création d'une série d'œuvres imprimées par son imprimeur Hidalgo Arnera, au moyen d'une machine à imprimer les cylindres mécaniques de 1912. Cette technique sera adoptée par l'artiste catalan, surtout en 1959 et 1962.



Depuis ses débuts jusqu'en 1954, les thèmes des œuvres de l'artiste de Crémone concernent avant tout les pêcheurs et les vicissitudes humaines liées à « son fleuve » (le Pô), les déshérités et leur réalité quotidienne faite de fatigue et de pauvreté, tous vivant avec avec dignité. Entre 1954 et 1955, les « démolitions », les « cathédrales abandonnées », les « glissements de terrain » et les « vestiges » d'un monde qui change rapidement sous ses yeux et qui commencent à faire disparaître, au nom du soi-disant « progrès », des quartiers entiers, riche d’un passé en lieux et histoires de sa jeunesse. L'année 1964 est une année fondamentale pour Tarquinio : sa visite de la Biennale de l'Art de Venise lui permet de découvrir le Pop Art américain et va révolutionner sa vision du monde et influencer ses œuvres à venir. Sa réinterprétation du monde classique dans une tonalité satirique-onirique se poursuit. Vers la fin des années 1980, commence la série des « cages à mémoire » dans lesquelles, en plus de dénoncer la perte d'identité de l'homme, l'esclavage des mémoires obsessionnelles, même douloureuses, se traduit par des images. La période la plus récente le voit engagé dans la tentative de s’émanciper de « l’ombre », brisant enfin les chaînes pour rétablir un nouvel ordre dans le chaos du monde et dégager les raisons d’existence les plus intimes.